Jacques de Loustal voyage à travers le dessin https://www.tdg.ch/culture/livresjacques-loustal-voyage-dessin/story/24423716 L’auteur de bande dessinée et illustrateur parisien expose une septantaine de belles images en l’Ile. Globe-trotter accompli, le coauteur de «Barney et la note bleue» raconte ce qui l’inspire et explique sa propension à varier les techniques. Il est arrivé en tirant une petite valise à roulettes, parfait prototype du dessinateur voyageur. Pour l’exotisme en revanche, il faudra repasser. Le trajet Paris-Genève laisse peu de place pour les palmiers stylisés, les hommes coiffés d’un panama ou les paquebots croisant au large, toutes formes de signes graphiques propres à Jacques de Loustal. En l’Ile, l’auteur de bande dessinée et illustrateur français dévoile une septantaine de belles images, travaillées à la mine de plomb, au fusain, à l’encre de Chine rehaussée d’aquarelle, aux crayons de couleur ou à la peinture fixée sous verre. On y reconnaît au premier coup d’œil son goût pour les grands horizons. Mais pas seulement… L’exposition qui vous est consacrée à Genève présente majoritairement des dessins de voyage. Vous restez un globe-trotter impénitent? Un peu moins. J’ai souvent été invité à prendre part à des résidences dans les instituts français à l’étranger. Il s’agissait de vrais projets artistiques, menés notamment ces dernières années en Afrique du Sud, au Canada, au Japon ou en Algérie. J’imagine que certaines restrictions budgétaires font que l’on me sollicite moins. Du coup, je voyage dorénavant à ma guise, dans des pays que j’ai toujours eu envie de visiter. J’ai ainsi effectué un très beau périple l’an passé sur le détroit de Magellan et le canal de Beagle, en Terre de Feu. J’ai tendance en ce moment à m’éloigner des grandes villes. J’y trouve moins mon compte, tout se ressemble. Le dessin de voyage, c’est une manière de prolonger un moment de contemplation? Ça l’était au début. Mes premiers dessins de voyage servaient vraiment à prolonger un instant de bien-être. Finalement, j’ai trouvé ça un petit peu limité. Le résultat dépendait des endroits – intérieurs de restaurant, terrasses d’hôtel, etc. – où je pouvais m’arrêter et jouir du paysage. C’était très vécu, mais d’un autre côté je passais à côté de plein d’images fortes. Désormais, je panache. J’utilise un appareil photo qui me permet de prendre des notes, de fixer des détails. Je dessine le soir dans ma chambre d’hôtel, transformée en petit atelier. Comment procédez-vous? A partir de plusieurs instantanés, je construis une image en mélangeant différents éléments, sans gommer, sans repentir. Cela me permet d’élaborer des techniques un peu plus riches que le simple dessin à la plume rehaussé à l’aquarelle. On ne peut plus dire que ce sont des carnets de voyage. Il s’agit davantage de livres de dessins inspirés par les voyages. Quels sont les éléments qui vous parlent dans un paysage, vous incitant à le dessiner? Avant tout les atmosphères. Mon dernier livre de voyage, Carthagène, je l’ai réalisé en Colombie, avec Raymond Depardon. Une sorte de regard croisé. Les tropiques, les petits villages dans les mangroves, voilà des images qui nous parlent. On courait dans tous les sens, lui en prenant des photos, moi des petites notes dessinées. L’inspiration vient vraiment de l’ambiance générée par un lieu. Pour vous intéresser, une image doit-elle contenir en germe les bases d’une petite histoire? Disons que je représente le décor d’une histoire potentielle. En voyage, je me considère presque comme un reporter… dans un genre totalement subjectif. Je ne ressens aucune obligation de raconter les aspects évidents d’un pays. De par ma formation d’architecte, je suis amené à dessiner des détails, qui sont à chaque fois très signifiants. Mais par rapport à la photo, le dessin débouche sur une épure. On peut très bien décider de ne pas montrer certains éléments. A partir de quand le style Loustal s’est-il mis en place? Probablement à la fin de mes trois premiers albums d’histoires courtes en bande dessinée. Après New York-Miami, Clichés d’amour et Arrière-saison, on constate une évolution et la mise au point d’un style. Que j’ai ensuite fait évoluer en changeant d’outils. Une manière de vous renouveler? De ne pas m’ennuyer, surtout. Je m’investis essentiellement dans l’image, laissant la narration à d’autres que moi. Du coup, j’aime bien me surprendre au niveau du dessin. Dans mes illustrations, je continue beaucoup à travailler à la plume, puis à l’aquarelle ensuite. Avant de commencer la mise en couleurs, je sais en gros à quoi ça va ressembler. Alors, pour la bande dessinée, je varie volontiers: crayon, fusain, pinceaux… En ce moment, je travaille sur une nouvelle histoire, écrite par Fred Bernard. Un récit assez contemplatif, avec de grandes images, deux par page. J’y reprends le principe du texte off que j’ai beaucoup utilisé à mes débuts. La peinture vous apporte-t-elle les mêmes satisfactions que le dessin? Dans ce domaine, comme en bande dessinée, je suis totalement autodidacte. C’est pour cela qu’on peut déceler dans mes toiles les influences d’artistes que j’apprécie, tels que Paul Gauguin, Max Beckmann ou David Hockney. Voire des traces de l’art populaire que j’ai pu apprécier en Afrique ou en Asie. La peinture, c’est le domaine où je me surprends le plus. Je ne sais jamais où je vais arriver. Je suis même guidé par les matériaux et la taille de la toile. Vous peignez essentiellement à l’huile? Oui, jamais à l’acrylique. C’est plus long mais cela me permet de soigner mes modelés, ce que je ne peux pas obtenir ailleurs. Les thèmes alternent entre grands paysages, nus et quelques scènes d’intérieur. Mais il s’agit toujours de quelque chose de très épuré. Qu’est-ce qui vous pousse à décliner vos sujets en séries? Je travaille volontiers de cette manière, que ce soit pour les dessins de voyage, les illustrations ou la peinture. Je m’apprête d’ailleurs à entamer une série sur les ateliers d’artistes. Quand j’ai une idée, j’aime bien aller jusqu’au bout et m’imposer une contrainte, un concept. Qui peut également consister à évoquer la même histoire avec des techniques différentes: peinture, fixé sous verre, aquarelle, fusain. La composition reste la même, mais à l’arrivée, on reconnaît à peine. La tablette graphique, le dessin électronique, ça vous inspire? Pour moi, il faut que ce soit quelque chose d’équivalent à une nouvelle boîte de couleurs. J’aime le côté artisanal de l’aquarelle, une technique que je maîtrise bien et qui me permet d’obtenir certains effets qui n’appartiennent qu’à moi. Avec Photoshop, la mise en couleurs est souvent banalisée. Quand on parcourt la presse, on y voit de très beaux dessins, très élégants, graphiques. Mais impossible de savoir qui l’a fait. Il n’y a aucune signature graphique, c’est interchangeable. Vos dessins se vendent bien. Avec le phénomène des grandes ventes aux enchères, votre cote a-t-elle évolué? Elle monte doucement, sans atteindre la stratosphère. Mais je ne trouve pas ça plus mal. Si je proposais mes dessins autour de 10 000 euros, j’en vendrais sans doute beaucoup moins. Le prix dépend de l’importance du sujet, de son format, du support dans lequel il a été publié, différents paramètres… Mais dans tous les cas, cela reste abordable. Exposition Loustal, «Panorama» Jusqu’au 7 octobre, galerie Papiers Gras, place de l’Ile 1 2016 Images d'Épinal I 2016 Images d'Épinal II 2016 Images d'Épinal III 2016 Images d'Épinal IV 2016 Images d'Épinal V